Wir können nicht über amerikanische Mode sprechen, ohne über indianische Designer zu sprechen

„Unsere Leute sind die ersten amerikanischen Designer“, sagt Designerin Bethany Yellowtail. Sie spricht mit mir über Zoom von ihrem Zuhause in Los Angeles, wo sie das letzte Jahr gearbeitet hat. Bethany ist ein Mitglied der Northern Cheyenne Nation und wuchs im Crow Indian Reservat in Montana auf. Wie viele einheimische Designer inspirierte das Aufwachsen mit den wunderschönen Insignien ihres Stammes ihre Reise ins Modedesign.



Im März 2020, als das Coronavirus die USA traf, war sie gezwungen, nicht nur das Büro in L.A. zu schließen, an dessen Eröffnung sie jahrelang gearbeitet hatte, sondern ihre Geschäftsstrategie komplett umzustellen. Da sich viele Fabriken in der Stadt der Herstellung von PSA widmeten, beschloss sie, mit ihnen zusammenzuarbeiten, um die Ureinwohner im ganzen Land zu versorgen, die am stärksten vom Coronavirus betroffen waren. Im Laufe des Jahres fertigte sie über 100.000 Masken mit dem Symbol ihres Stammes, dem Morgenstern, an. Es war eine Quelle des Stolzes auf eine verheerende Zeit für sie und ihre Gemeinschaft.

Entsprechend Der Wächter , starb schätzungsweise einer von 475 amerikanischen Ureinwohnern zwischen März 2020 und Januar 2021 an Covid-19, was mehr als doppelt so hoch ist wie die Rate weißer Amerikaner. Während viele indigene Nationen zusammenkamen, um sich gegenseitig mit Ressourcen und Hilfe zu helfen, waren die verheerenden Auswirkungen erheblich: Familien blieben ohne Angehörige zurück, darunter viele ihrer Ältesten und Lehrer, die ihre Kulturen über Generationen weitergeben.



In diese undenkbare Tragödie kam jedoch ein kleines Zeichen des Fortschritts. Die Black Lives Matter-Bewegung im Sommer 2020 hat dazu beigetragen, die Ungleichheit, mit der auch indigene Völker seit Jahrhunderten konfrontiert sind, ins Rampenlicht zu rücken. Diese Ungleichheit – vom eingeschränkten Zugang zur Gesundheitsversorgung bis hin zu Armut, die durch die Misswirtschaft der indigenen Länder durch den Bund verursacht wurde – schuf ein Umfeld, in dem Covid-19 ihre Gemeinden unverhältnismäßig beeinflusste.



Als Befürworter der Bewegung für Rassengleichheit begannen, den Reichtum der einheimischen Kulturen kennenzulernen, kanalisierten sie ihre Unterstützung durch Investitionen in indigene Unternehmen, einschließlich indigener Modemarken. Für Designer wie Bethany war dieser Zustrom von Aufmerksamkeit eine Möglichkeit, Teile ihrer Kultur zurückzugewinnen, die so oft angeeignet wurden – denken Sie an „von den Einheimischen inspirierte“ Drucke auf T-Shirts – und die Geschichte ihrer Leute und ihrer heutigen Persönlichkeit zu erzählen durch ihre Kunst.

Gleichzeitig ist die Herstellung von Kleidung, die der Tradition huldigt und Techniken verwendet, die von den Ältesten weitergegeben wurden, ein Mittel zum Schutz der Kultur, die angesichts der überwältigenden Sterberate in den indigenen Gemeinschaften Gefahr läuft, verloren zu gehen.

Im Vorfeld haben wir mit drei Designern darüber gesprochen, wie das vergangene Jahr für sie war und wie sie Mode nutzen, um ihre Kultur zu bewahren, zu feiern und zu ihren eigenen Bedingungen mit ihren Gemeinschaften und dem Rest der Welt zu teilen.

Bethany Gelbschwanz

Indigene ModeIndigene Mode Credit: Erica Elan



Wann haben Sie sich entschieden, Designer zu werden?

Ich bin im Crow Indian Reservat im Südosten von Montana aufgewachsen. Ich komme aus einer sehr reichen, lebendigen Community, die voller Texturen und schöner Farben ist. Es war normal, Verwandten zuzusehen, die Dinge auf den Küchentischen herstellten. Eine meiner frühesten Erinnerungen an die Herstellung meiner eigenen Insignien ist, als meine Tante etwas Material in unser Haus brachte und sie mit mir und meiner Schwester auf dem Boden saß und wir lernten, wie man Schals mit Fransen franst. Als ich in die späte Mittelschule kam, sah meine Heimlehrerin, dass ich wirklich gut nähen konnte, sie sagte mir, dass ich eine Karriere in der Mode machen könnte.

Wir sehen keine Einheimischen in der Mode, und zum ersten Mal wurde mir klar, dass meine Gemeinschaft repräsentiert werden könnte. Ich zog nach Los Angeles und ging zur FIDM, wo ich die Grundlagen der Bekleidungsherstellung erlernte. Aber dort habe ich auch Kollektionen gesehen, die die Ästhetik der einheimischen Identität und Kultur aufgegriffen haben. Damals hatte ich nicht die Sprache, um für mich selbst zu sprechen, als ich diese Art der Aneignung sah. Aber als ich nach Hause ging, sah ich die drastische Ungleichheit bei meiner Reservierung und etwas stimmte einfach nicht. Also gründete ich mit Hilfe meines Vaters – der seine Rinderfarm-Ausrüstung verkaufte, um mir ein Darlehen zu bekommen – mein Geschäft, b.Yellowtail, und verkaufte meine Designs sowie [Designs] von anderen Eingeborenen.

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Wie hat sich Covid-19 auf Sie und Ihre Community ausgewirkt?

Es hat unseren Stamm sehr, sehr hart getroffen und unsere Gemeinschaft verwüstet. Crow und Northern Cheyenne, wir haben viele Leute verloren. Meine Großmutter war acht Wochen im Krankenhaus und sie erholt sich immer noch.

Aber ich bin der Typ Mensch, bei dem ich nicht einfach nur sitzen und zusehen kann, was passiert. Glücklicherweise haben wir hier in Los Angeles eine erstaunliche Beziehung zu einem Hersteller, und als die Dinge stillgelegt wurden, stellte er auf die Herstellung von PSA um. Wir haben gerade unsere modischen Fähigkeiten in die Herstellung von Masken umgewandelt und konnten zum Glück Stoffspenden von Patagonia und Nike erhalten. Ich glaube, allein für die Navajo-Nation haben wir 60.000 Stoffmasken [verschenkt]. In meiner Stammesgemeinschaft haben wir etwa 50.000 unterstützt.

Ich sollte auch dieses Frühjahr eine Kollektion herausbringen. Als Covid zuschlug, haben wir einfach alles gestoppt. Zum Glück konnten wir umziehen, und dann im vergangenen Herbst, im November, kam die Kollektion heraus und sie war die am besten erhaltene meiner Kollektionen. Und es war auch eine Kollektion, die wir in Zusammenarbeit mit unserer Community erstellt haben. Wir haben im Field Museum in Chicago eine Ausstellung namens Apsáalooke Women and Warriors. Und es erzählt eine Geschichte unseres Volkes von unserer Schöpfungsgeschichte bis zu dem, wo wir jetzt sind.

Was trägst du beim Fotoshooting?

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Das grüne Kleid zeigt unsere charakteristische Textilkunst. Es sieht aus wie Tupfen, ist aber eigentlich ein Motiv eines Elchzahns. Elchzähne sind für die Stämme in der Stammesregion der Northern Plains kulturell von großer Bedeutung, insbesondere für Crow und Cheyenne und Lakota. Elchzähne waren traditionell ein Zeichen von Reichtum, und in den alten Zeiten, der Ära der Vorreservierung, wurden Elchzähne auf Hochzeitskleidern genäht. Der männliche Bräutigam würde es schaffen, seine Familie würde es für die Braut machen und es wäre wie eine Mitgift, aber als Geschenk an die Frau. Ein Elchzahn bedeutet, dass er Versorger und gute Jäger ist und für die Familie sorgen kann, da jeder Elch nur zwei Elfenbeinzähne hat. Um ein komplettes Kleid zu haben, brauchst du 500 Elchzähne, um richtig zu sein. Die meisten Elchzähne im Elfenbein zu haben, ist also so, als ob Sie reich sind, Sie reich sind und für Ihren Lebensunterhalt sorgen können. Meine Familie, wir haben einen von meiner Ururgroßmutter von Ende 1800, und er ist voller echter Elchzähne, er ist so schön.

Die Ohrringe stammen von einem unserer Künstlerkollektiv, Alaynee Goodwill. Sie ist Dakota Sioux und Lakota. Und die weißen Muscheln, die da drauf sind, sind Dentalium. Dentalium-Schalen sind eine echte Schale, aber sie wurde im Nordwesten als Handelsform für den Handel verwendet und bewegte sich dann über die Ebene. Sie werden es also auf Fotos aus alten Zeiten sehen und wir verwenden es offensichtlich immer noch. Jetzt ist es in modernere Ohrringe verwandelt.

Dann ist das Blumenmotiv auf meinem lila Kleid eigentlich das gleiche Motiv wie auf meinen Mokassins. Meine Mokassins wurden von einer Apsáalooke (Krähe) Künstlerin, Nina Sanders, für mich entworfen. Sie recherchierte im Smithsonian National Museum of American Indian und sah, dass Blumenmuster mit einer kleinen Erdbeere darauf in den Museumssammlungen, alten Fotos und auf Insignien in Verbindung mit Gelbschwanzfrauen auftauchen würden. Und sie sagte, sie habe angefangen, von Erdbeeren zu träumen, und sie sagt: 'Ich wusste nur, dass ich das für deine Mokassins entwerfen musste.'

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Jamie Reading

Indigene ModeIndigene Mode Credit: Cameron Linton

Wann haben Sie sich entschieden, Künstler und Designer zu werden?

Es ist einfach etwas, mit dem ich mein ganzes Leben lang aufgewachsen bin. Meine Mutter war Grafikdesignerin. Sie arbeitete für MCA Records und machte Albumcover für einige wirklich tolle Bands aus den 70ern. Meine Großmutter war Malerin, Kunst gehörte also von Geburt an zum Leben. Aber es war wirklich, als ich anfing, bei Powwows zu tanzen [dass ich mich dafür interessierte, Designer zu werden]. Das erste, an dem ich teilnahm, war im Reservat meiner Großmutter, dem Fort Hall Indian Reservation in Idaho.

Als ich zum ersten Mal tanzte, war ich in Straßenkleidung, aber ich hatte die schönen Outfits von allen gesehen und wusste, dass ich das machen wollte. Es erfordert viel Arbeit – Perlenstickerei, Nähen; alles wird von dir und deiner Familie gemacht. Damit fing es im Grunde an, also konnte ich in den Pow-Wow-Kreis steigen und tanzen. Seitdem habe ich so ziemlich Nadel und Faden in der Hand.

Wie denkst du repräsentieren deine Designs deinen Stamm, wenn überhaupt?

Ich spreche nicht für meinen Stamm. Wer bin ich, um diese Verantwortung zu tragen? Es gibt einen ganzen Stamm von Menschen. Ich entwerfe nichts superspezifisches, weil es vielen Leuten gehört. Ich kann diese Traditionen einfach nicht übernehmen. Es ist immer eine Anspielung auf dieses spezifische Designelement meines Stammes und so ehre ich meine Leute in meiner Modearbeit.

Kannst du über die Stücke im Fotoshooting sprechen?

Ich trage ein Kleid, das einer traditionellen Silhouette nachempfunden ist, sie werden Flügelkleider genannt. Es ist ein sehr einfacher Schnitt, aber sehr spezifisch von Stamm zu Stamm. Ich liebe einfach Farbe, ich liebe verschiedene Texturen, verschiedene Stoffe, und so habe ich dieses Kleid kreiert, als Anspielung auf ein traditionelles Kleid. Die Mokassins habe ich in meinen frühen Zwanzigern gemacht und sind alle vollperlenbesetzt. Ich trage antike Manschetten und halte einen Weißkopfseeadlerschwanzfächer. Meine Cousine [rechts im Bild] trägt ein Couture-Stück basierend auf meiner Herbst-Prämienkollektion [für meine gleichnamige Marke].

Was möchten Sie den Leuten über eine Karriere in der Mode als Native Person mitteilen?

Es gibt diese Erzählung, insbesondere als einheimische Person, dass Sie [das Reservat] verlassen müssen, um Ihre Ziele zu erreichen. Ich finde die erstaunlichste Leistung für mich selbst, dass ich alles, was ich tue, direkt hier zu Hause tun kann, auf meinem Reservat. Das sehen meine Kinder. Ich bin hier, um ja zu sagen, verdammt, ja, das kannst du. Du kannst alles tun, was du willst. Solange dein Herz da ist und dein Verstand da ist und ich einfach das Gefühl habe, dass ich nichts Besseres verlangen könnte, damit ich meine Kinder hier aufziehen kann und sie sehen, dass sie nicht gehen müssen hier um erfolgreich zu sein.

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Maka-Rahmen

Indigene ModeIndigene Mode Credit: MadMen Studios

Können Sie mir etwas über Ihren Hintergrund erzählen und warum Sie mit dem Designen begonnen haben?

Ich bin eine Tlingit, Filipina und Kanien'kehá:ka Frau, die in die Rabengruppe, Copper River Clan, House of the Owl, hineingeboren wurde. Mein Tlingit-Name ist Keixé Yaxtí, was Morgenstern bedeutet. Ich hatte das Glück, eine Mutter und Großeltern zu haben, die traditionelle Wissensträger waren. Ich habe einen Teil meiner Kindheit mit ihnen in Museen verbracht' tiefe Archive, in denen sie Artefakte identifizieren würden. In diesen tiefen Archiven staunte ich über die Handwerkskunst der Künstler der Nordwestküste. Die Perlenstickerei, das Weben und die Symmetrie in Formline-Künstlern' waren unglaublich.

Nagelaufkleber

Unsere Künstler waren so innovativ – sie fanden immer Wege, neue Formen und Textilien zu formen und zu bearbeiten, darunter Holz, Bergziegenwolle, Tierhaut, Silber, Gold, Muscheln und Knochen. Als jemand, der mein ganzes Leben lang mit psychischer Gesundheit zu kämpfen hatte, begann ich, Kunst und Design zu praktizieren, um zu versuchen, die belastbaren Komponenten unserer Kultur zu übersetzen: Liebe, Mitgefühl, Clanbeziehungen, matrilineare Macht. Es ist demütigend, Konzepte, die manchmal immateriell sind, greifbar zu übersetzen.

Wie hat Covid Sie persönlich beeinflusst? Wie hat es Ihren Stamm beeinflusst?

Covid hat meine Familie im Jahr 2020 belastet. Mein Mann konnte während der Unterbringungsmandate mehrere Monate lang nicht in seiner Zahnarztpraxis arbeiten. Ich arbeitete noch an meinem Master of Public Health und arbeitete gleichzeitig in Teilzeit für eine gemeinnützige Organisation. Unsere Finanzen waren die treibende Notwendigkeit für den Einstieg in das Schmuckdesign. Mein Dorf und mein Stamm haben Schutzbefehle eingeführt, weil die positiven Fälle von Covid von Menschen stammten, die von außen nach Jakutat reisten. Wir sind 2020 nicht nach Hause zurückgekehrt, um unsere Lieben zu schützen, und ich habe meine Familie und das Land schmerzlich vermisst.

Wie bringen Ihre Designs Ihre Kultur voran?

Unsere Welt braucht Mitgefühl und Verständnis, und empathische Kommunikation durch kulturelle Kunst kann dabei helfen. Kunst und Design sind greifbare Ausdrucksformen von Emotion und Kultur und können wichtige gesellschaftliche und globale Themen wie den Klimawandel, vermisste und ermordete indigene Frauen und Mädchen, Zwei-Geist-Menschen [ein umgangssprachlicher Begriff für LGBTQ-identifizierende Menschen] übersetzen. In gewisser Weise hat die Pandemie einen Knappheitskomplex verstärkt – viele Menschen leiden in vielerlei Hinsicht. Ich habe erlebt und erlebt, dass Farbgemeinschaften mit seitlicher Gewalt reagieren. In der Beratung mit einem vertrauenswürdigen Ältesten und Künstler, Robert Davidson, glaube ich, dass ein Teil dieser Gewalt von einem Ort tiefgreifenden generationsübergreifenden Schmerzes herrührt. Ich habe dieses Jahr einen Trauerprozess durchgemacht, um den tiefen inneren Schmerz loszulassen, so dass ich versuche, unsere Kultur voranzutreiben und von einem absichtlichen Ort transformativer Verwandtschaft aus zu erschaffen. Wenn wir von unseren Vorfahren schöpfen können' Stärke und Belastbarkeit und kreuzen sich mit transformativer Verwandtschaft, können wir sein indigener Futurismus.

Haben Sie manchmal nicht einheimische Kunden, die sich beim Kauf Ihrer Arbeit Gedanken über die Aneignung machen?

Es ist nicht ungewöhnlich, dass nicht-einheimische Kunden beim Kauf einheimischer Kunst besorgt über die Aneignung sind. Wenn ein indigener Künstler mit kulturellem Wissen kreiert, verkauft er im Allgemeinen keine zeremoniellen Gegenstände an nicht indigene Völker. Wir empfehlen, direkt bei einheimischen Künstlern und Unternehmen zu kaufen. Unsere Freunde von Eighth Generation haben einen oft verwendeten Satz geprägt: „Kaufe von Inspired Natives – nicht von Native-inspirierten Marken“.

Können Sie erklären, was Sie auf Ihren Fotos tragen? Was ist, wenn diese Stücke eine Bedeutung haben?

Diese Fotos zeigen Prototypen, die ich während meiner reflektierenden Reise entworfen habe. Die türkisfarbenen Monde waren ein Gemeinschaftsprojekt meines Designs und mit Hilfe eines Mentors fertigte ihre Freundin Mary Jane Garcia den Ohrring an. Mary Jane ist Diné, Tl'og'i (Zia Volk) und Kinyaa'áanii (Hochhaus Leute) Clan. Es war ein Projekt, das auf Heilung und Verwandtschaft basierte. Das Foto mit der Trommel kommuniziert meine Beziehung zu meinem verstorbenen Großvater. Ich habe seine Trommel geerbt und die Ohrringe, die ich [für meine Marke Moonture] entworfen habe, erzählen die Geschichte des Nordlichts. Mein Großvater lehrte uns, dass die Nordlichter die Geister von Menschen sind, die sich das Leben genommen haben. Innerhalb der Nordlichter' Farben, du siehst spirituelle Bewegung, und die grüne Farbe ist das Moos, das auf ihnen gewachsen ist. Das Erstellen dieses Designs war eine Möglichkeit, meine Reise zur psychischen Gesundheit in diesem Jahr auszudrücken und mich daran zu erinnern wir brauchen dich hier.

Was erhoffen Sie sich beruflich und persönlich im nächsten Jahr?

Das Überleben der indigenen Kunst war wie ein Phönix, und ich glaube, dass die Zukunft der indigenen Mode weiter zunehmen wird, wenn unsere kollektiven brennenden Herzen treu bleiben. Es ist unglaublich, an alles zu denken, was indigene Völker in den letzten Jahrhunderten durchgemacht haben: Völkermord, Sklaverei, Vergewaltigung, Rassentrennung, Rassismus, Diskriminierung – aber wir haben nicht nur überlebt – sondern auch ein Großteil unserer Kunst gedeiht. Ich hoffe, von diesem blühenden Ort aus zu kreieren und träume davon, eine Bekleidungslinie an der Schnittstelle von Tlingit-Kultur und nachhaltigem Material zu entwerfen. Ich bringe mir langsam das Design und die Herstellung von Erbstücken und edlem Schmuck bei, indem ich Materialien wie Alaska Jade und Walross Ivory verwende, die mir von der Familie Apangalook geschenkt wurden, und mein Mann und ich lernen unter der Leitung von Anna Sheffield. Diese Ziele entsprechen meiner Hoffnung, durch transformative Kunst zu kulturellem Mitgefühl und Verständnis sowie zu empathischer Kommunikation beizutragen.

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Fotografien von Cameron Linton, Erica Elan und MadMen Studios. Produktion von Kelly Chiello.